Surnommé affectueusement le "Pape de l'art pop", Andy Warhol était responsable de nombreuses œuvres les plus célèbres de l'histoire de l'art. Ayant acquis une renommée dans les années 1960, il s'est concentré sur des objets, publicités et célébrités distinctement américaines, produisant des œuvres dans des médiums tels que la sérigraphie, la photographie, le cinéma et la sculpture. Certaines de ses créations figurent parmi les œuvres d'art les plus chères jamais vendues, et dans cet article, nous examinerons les dix meilleures peintures d'Andy Warhol.
Considérée comme l'une de ses meilleures peintures, Warhol a créé la Diptyque de Marilyn en 1962 en hommage à la défunte Marilyn Monroe qui est décédée d'une overdose de barbituriques cette même année. Composée de 50 prises différentes de la photo publicitaire de l'actrice pour son film Niagara, le côté gauche de la peinture est en couleur, tandis que le côté droit est intentionnellement flou en noir et blanc.
Le Diptyque de Marilyn fusionne deux des thèmes les plus cohérents de Warhol : la mort et le culte de la célébrité. La répétition de l'image de Monroe représente sa présence médiatique omniprésente, avec le contraste de couleurs vives avec le noir et blanc évocateur de sa mortalité. La peinture a été saluée pour avoir encapsulé l'héritage de Monroe et a été classée comme la troisième pièce d'art moderne la plus influente par The Guardian.
Warhol a souvent utilisé des images familières de la culture de consommation dans son travail, et sa peinture des boîtes de soupe Campbell est peut-être l'exemple le plus célèbre de cela. La série originale était composée de 32 toiles, chacune représentant une variété différente de soupe proposée par l'entreprise à l'époque. Lorsque Warhol a exposé pour la première fois la pièce en 1962, les toiles étaient présentées ensemble sur des étagères comme des produits dans une allée d'épicerie. Chacune est peinte à la main, avec un motif de fleur-de-lys tamponné à la main sur le bord inférieur des boîtes.
La série des boîtes de soupe Campbell ressemble aux publicités imprimées en masse de l'époque, et Warhol a choisi ce produit en particulier en raison de sa passion pour la peinture de choses ordinaires et de son affection pour la soupe elle-même. La peinture a ensuite été vendue au Museum of Modern Art pour plus de 15 millions de dollars après la mort de Warhol.
Alors que Warhol lui-même ne s'intéressait pas initialement aux vaches, il a décidé de les incorporer dans son travail lorsque le marchand d'art Ivan Karp lui a dit : "Pourquoi ne peignez-vous pas des vaches, elles sont si merveilleusement pastorales et constituent une image durable dans l'histoire des arts ?" Et c'est ainsi que cela s'est produit, avec Warhol terminant le premier papier peint de vaches en 1966, ajoutant davantage à la série tout au long des années 70. Chaque sérigraphie de vaches se compose de vaches aux couleurs vives sur un fond de couleurs contrastées, l'image utilisée étant choisie par l'imprimeur interne de Warhol, Gerard Malanga. La série comportait quatre schémas de couleurs : Vache rose sur fond jaune (1966), Vache brune sur fond bleu (1971), Vache jaune sur fond bleu (1971) et enfin Vache rose sur fond violet (1976).
Warhol a créé ses peintures de Mao en 1973 en réponse à la rencontre du président américain Richard Nixon avec le dirigeant chinois l'année précédente. Cet événement a mis fin à des décennies de tension diplomatique entre les deux pays et a capturé l'imagination de l'artiste, l'incitant à concevoir des centaines de toiles de Mao, dont certaines mesuraient jusqu'à 15 pieds x 10 pieds. Cependant, cette peinture n'est certainement pas une célébration de Mao, avec les éclaboussures de couleur de graffiti et de fard à paupières bleu qui défigurent en réalité son image. En effet, de nombreux critiques estiment que cela reflète la liberté d'expression de soi disponible pour les artistes en Occident, en contraste frappant avec la propagande communiste que représentait l'image originale.
On peut soutenir que aucune peinture ne reflète l'identité de masse, l'opulence et l'aisance comme le tout-puissant signe du dollar de Warhol. Intrigué tout au long de sa vie par le clinquant et le glamour, la peinture représente l'intersection entre la richesse et l'art, tous deux considérés comme des produits de luxe à part entière. La peinture a été réalisée à l'aide d'acrylique et d'encre de sérigraphie sur toile, et répète le signe du dollar américain dans des couleurs néon vives. Warhol a dessiné lui-même l'image source de la série à la main, car il n'en a pas trouvé d'autre qu'il jugeait assez dramatique.
La série des Fleurs a été inspirée par des photographies prises par Patricia Caulfield et publiées en 1964. Warhol a expérimenté différentes couleurs pour les fleurs, allant du rose vif et orange dans une impression à tout blanc dans une autre. Dans certaines impressions, il s'écarte complètement du modèle original, produisant des ombres de plusieurs fleurs. Caulfield a d'ailleurs intenté un procès contre Warhol pour l'utilisation non autorisée de son image, ce qui est presque comique lorsque l'on considère le nombre d'années qu'il a passées à reproduire des étiquettes de produits protégées par des droits d'auteur. L'affaire a finalement été réglée à l'amiable.
La série Camouflage de Warhol a été publiée quelques mois avant sa mort en 1987, ce qui en fait sa dernière série d'impressions. L'inspiration a été fournie par son assistant de studio Jay Shriver, qui expérimentait en appliquant de la peinture à travers un tissu militaire. Le camouflage a peut-être plu à l'obsession de Warhol pour les marques et les logos, tandis que le motif représentatif a également fait écho à son intérêt pour l'art expressionniste abstrait. Warhol a fusionné cette imagerie avec des couleurs psychédéliques pour altérer fondamentalement le concept de camouflage en tant que déguisement, ainsi que ses connotations utilitaires et militaires.
Dans sa forme prévue, Camouflage n'a été exposé qu'une fois, lors d'une exposition de groupe à New York en 1986, et est maintenant exposé dans la collection ARTIST ROOMS des National Galleries of Scotland, un programme itinérant en collaboration avec Tate. En plus d'être le manager du groupe de rock The Velvet Underground, Warhol a également peint la couverture de leur premier album, The Velvet Underground & Nico.
La banane qui figurait sur les premières éditions était accompagnée des mots "Peler lentement et voir" et recouverte d'un autocollant de peau de banane que les spectateurs pouvaient retirer pour révéler un fruit de couleur chair en dessous - une image intentionnellement phallique. La couverture de l'album est devenue l'une des plus emblématiques de tous les temps, et ces premières versions (avec l'autocollant intact) sont maintenant des objets de collection rares. En parlant de l'héritage de l'image, le chanteur principal de The Velvet Underground, Lou Reed, a déclaré : "Les membres du public, en particulier ceux qui écoutent de la musique rock, reconnaissent immédiatement la conception de la banane comme le symbole de The Velvet Underground".
La mort est devenue un thème important dans l'art de Warhol tout au long des années 1960, et ses peurs ont été intensifiées à partir de 1968, lorsqu'il a été abattu et presque tué par la féministe Valerie Solanas dans son studio, le Factory. Bien qu'il ait survécu, il a été contraint de porter un corset chirurgical pour le reste de sa vie après que les balles aient traversé son estomac, son foie, sa rate, son œsophage et ses deux poumons.
Il est probable que la fusillade ait inspiré les peintures d'armes de guerre de Warhol, qui ont été publiées presque 13 ans après l'agression. Dépeignant une arme similaire au pistolet à canon court .22 que Solanas a utilisé dans sa tentative d'assassinat, l'absence de sujet ne fait qu'accentuer le statut ambigu du pistolet, également élevé, méprisé et assaini dans les médias de masse et la culture populaire.
Représentant cent douze bouteilles de Coca-Cola presque identiques, Warhol croyait que la popularité universelle de la boisson gazeuse véhiculait un message très positif. "Ce qui est grand dans ce pays, c'est qu'Amérique a lancé la tradition où les consommateurs les plus riches achètent essentiellement la même chose que les plus pauvres..." a-t-il écrit dans son livre de 1975, The Philosophy of Andy Warhol. "Vous pouvez savoir que le Président boit du Coca-Cola, que Liz Taylor boit du Coca-Cola, et, pensez juste, vous pouvez boire du Coca-Cola aussi. Un Coca-Cola est un Coca-Cola, et aucune somme d'argent ne peut vous acheter un meilleur Coca-Cola."
Créée la même année que Warhol a commencé à développer sa technique novatrice de sérigraphie, l'image d'une seule bouteille de Coca-Cola est reproduite en rangées régulières au-dessus du logo de la société. On pense qu'elle ressemble à une affiche publicitaire, ce qui évoque l'amour de Warhol pour la consommation.
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